《拾穗者》是这个展览中最重头的作品，也是价值最高的作品。我们不仅看到米勒带着敬意刻画三个拾穗农妇的劳作，还可以看到他处理画作时的一些重要细节。比如，左面两个农妇头上的头巾，一红一蓝。此处用色的纯粹程度，是为古典主义所避讳，但为后来的印象主义所着意追求的。

《簸谷者》一反古典主义的精致刻画，大胆挥洒的笔触和色彩、不求准确的粗放边缘、农夫脚上几近印象主义的色彩表现，都是指向印象主义的表达。 《牧羊女》大胆地使用逆光的效果，甚至使用剪影。《缝衣女》身上的衣服和《拾穗者》两农妇的头巾几乎接近平涂的画法，都给了我们很多前卫的信息。也正是这些手法和方式，为开启印象主义做了充分的铺垫和准备。

由此，我们不能不认可米勒在绘画史上的重要地位，因为他为以后的艺术，为现代艺术的大转型传递了重要信息。

解放观点：曾有人担心“风景很容易变成厌烦城市者的逃避之所”，许多田园牧歌情调的抒情风景画因此 “过度渲染了风景的唯美”。而当下的中国正在现代化和城镇化的道路上急速前进，“生态文明”不能再被忽略。从这个意义上讲，这次的展览可以给我们什么启发？

孙乃树：田园牧歌情调的抒情风景，是19世纪法国现实主义美术的本质特征。特别是柯罗的风景画特别诗意、抒情，已经画得超越了现实，几乎可以说是对仙境的描绘。但其实并没有高于生活，而是对生活的透视，对生活的感悟和体会。

人生于自然、活于自然，最后回归自然，人本身就是自然的一部分。人不应该也不需要凌驾于自然、控制自然、改造自然，人应该与自然融合，与自然和谐。中国伟大的祖先早有这种透彻的感悟和理解，说“天人合一”是中国哲学之本并不为过。我们在向西方学习的时候，在寻求更为丰富的物质成果和享受时，不能把我们的根本丢失了。

西方人对自然的理解大致有三个阶段：当人们无法把握自然、了解自然的时候，认为有一个神在主宰世界，通过信神，对自然表示敬畏；当人们逐渐掌握了科学，认为可以掌握自己的命运时，力图主宰自然；当人们在过分使用自然、过分强调科学理性后碰壁时，才想到了与自然共处。从这个意义上回望，中西美术恰于“自然主义”交汇：法国19世纪的现实主义美术，与中国古代绘画所体现的中国哲学精神，有着多么相似的人生境界。而这一发现给今日中国的启示是：如何更纯粹、更自然地栖居在这个大地上。

奥赛美术馆馆长在为本次展览撰写的前言中说道：“画作中对日常生活场景的描绘，恰恰呼应了中国21世纪发展中发生的变化。 ”这对我们观展和思考当下生活都是有意义的提示。在这里留一道思考题给接下来有兴趣前往参观的人们：无论是回到历史语境中，还是站在当下，这个展览的作品中会让你对欧洲的现代化转型有怎样的理解？结合我们今天的社会转型和发展，你有什么感悟？